Wir zeigen in der Backstage-Schau Collagen von Georges Adéagbo, die er in Vorbereitung für die Ausstellung À la Rencontre de l`art 2017 im Kunsthaus Hamburg angefertigt hat, einer Ausstellung zur Verleihung des Kunstpreis Finkenwerder. Selten zeigt Adéagbo diese Collagen zu seinen Ausstellungen, die als Vorlagen für seine Mitarbeiter in Benin dienen. Insofern ist es etwas Besonderes Backstage der Gedankenwelt und in den Workflow des Biennale von Venedig und documenta-Teilnehmers zu schauen. Es ist auch für meine Galerie eine Ehre, erneut Arbeiten von Georges Adéagbo zeigen zu können. Im Februar 2010 präsentierten wir hier die Solo-Show La Culture et les Cultures - La Chine à Hambourg, die die erste Präsentation Adéagbos Arbeiten in Hamburg war und mein Erleben von Kunst verändert hat. Georges Adéagbo: "Kunst ist eine Art zu leben, eine Art mit seinem Nächsten zu sprechen, ohne sich ihn zum Feind zu machen…" ist nur einer dieser nachhaltigen Sätze, die mein Laboratorium Galerie seitdem beeinflussen. Adéagbo ist 1942 in Cotonou, Republik Benin, geboren, lebt dort und in Hamburg.

Stephan Köhler, *1959, Hamburg, ist Kurator und Gründer des Kulturforums Süd-Nord, mit dem er u.a. in Cotonou ein Artists in Residence-Programm aufgebaut hat. Köhler ist aber vor allem Künstler, hat bildende Kunst an der Cooper Union New York und an der Hochschule für angewandte Kunst in Wien studiert und viele Jahre in Japan gelebt. Aus seinem Werk zeigen wir aktuelle Malerei. Früh morgens hat Köhler es sich zur Gewohnheit gemacht, Tagebuch zu schreiben und Skizzen zu seinen Träumen der Nacht und den Nachrichten des Tages anzufertigen. Seine skizzenhaften Malereien basieren auf den Arbeiten der frühen Morgenstunden, sind präzise und frei zugleich und ich freue mich sehr, diese aktuellen Arbeiten von 2020 erstmalig präsentieren zu können.

Der Dritte im Freundschaftsbunde Clemens-Tobias Lange ist ein Begleiter und Künstler der ersten Stunde meiner Galerie, seine Werkstatt liegt im Vorderhaus Borselstr. 9. Lange ist mit seiner CTL-Presse ein weltweit bekannter und geschätzter Künstlerbücher-Künstler. Sein Werk umfasst unzählige eigene, meist sehr poetische Bücher sowie wundervolle Bücher, die er mit namhaften Künstlern und Autoren wie Georges Adéagbo, Tschingis Aitmatow und Yoko Tawada zusammen konzipiert hat. Bücher machen bedeutet für Lange immer wieder in neue Welten hineinzuspringen, neue Themen, neue Techniken zu erlangen. Er hat bei Emilio Vedova in Venedig Malerei studiert und Design bei Ennio Chiggio. Wir zeigen eine Hand voll Tiefdrucke, die Backstage zu seinem aktuellen Lieblingsbuch Nō erschienen sind.

Wir freuen uns auf Ihren Besuch!
Angela Holzhauer

Jessica Leinen studierte Bildhauerei und Zeitbezogene Medien an der HFBK Hamburg bei Matt Mullican und Ceal Floyer und machte 2016 ihren Masterabschluss. In ihren Arbeiten begegnen sich "wissenschaftliche Methoden der Vergewisserung und alltägliche Phänomene lösungsfreier Erstaunlichkeiten". Die Umsetzung erfolgt dann vornehmlich in Zeichnungen und bildhauerischen Arbeiten. Material und Technik changiert zwischen klassischer Bleistiftzeichnung und Keramiken bis hin zur Verwendung von Gebrauchsgegenständen, Laborbedarf und Baustoffen. Auch die Installation FESTER wird ein Potpourri dieser Art werden.

Wir freuen uns auf Ihren Besuch!
Angela Holzhauer

En mi mente, drawing serie by Arnaldo González,
mixed media on photographic paper, pencil, marker and acrylic, 30 x 40 cm, 2018

Revelaciones Neue Zeichnungen

Zwei neue Serien hat Arnaldo González für diese Ausstellung in den vergangenen Monaten erstellt: Die eine, Revelaciones (Enthüllungen), sind Zeichnungen mit verschiedenen Stiften und Wachs auf zum Teil sehr zartem Papier, was sie durchscheinend werden lässt und den empfindsamen Charakter dieser Seelenlandschaften unterstreicht. Die andere, En mi mente (In meinem Kopf), Mixed Media-Collagen/Zeichnungen mit verschiedenen Stiften, Markern und Acrylfarbe zeigt kräftige, freche, fröhliche, traurige Typen im kleinen Format. Sie skizzieren Stimmungen und Gefühle, die einem eben so im Kopf herum kreisen.

Arnaldo González ist 1986 in Caracas, Venezuela, geboren, hat dort Kunst an der Universidad Nacional Experimental de las Artes studiert und dann noch einen Masterstudiengang an der Hochschule für Künste im Sozialen, in Ottersberg absolviert. Nach einigen Gruppenausstellungen und der Schau Netzwerke von Panik und Sehnsucht 2017 zusammen mit Swen Kählert ist Revelaciones die erste Einzelausstellung des jungen Künstlers in der galerie holzhauer hamburg. González hat seinen Arbeitsschwerpunkt in den Medien Video und Sound. Aber eben auch eine besondere Begabung und Leidenschaft fürs Zeichnen. Wir freuen uns, Ihnen seine neuen wunderbaren Zeichnungen vorzustellen.

Dauer der Ausstellung: bis 18. September 2018
Öffnungszeiten jederzeit gern nach Vereinbarung: 0170 411 72 93

Neben den Galerien in Altona/Ottensen starten zeitgleich am 30.08.2018 auch die Galerien im Kontorhausviertel in die Herbstsaison!

Wir freuen uns auf Ihren Besuch!
Angela Holzhauer

Arnaldo González und Swen Kählert:
Netzwerke von Panik und Sehnsucht

Video, Klanginstallation, Zeichnung und Malerei,

kleine Objekte aus alltäglichen Dingen

Der rote Faden durch das Schaffen von Dieter Roth (1930-1998) ist das Bücher machen: "Ich mache nur Kunst, um meine Gewohnheit zu unterstützen, die da wären zu schreiben und Bücher zu publizieren." Dieter Roth gilt als Erfinder des artist´s book oder dem Buch als Kunst-Objekt. Mit Dieter Roth setzt der erste Boom dieses Genres in den 1950er Jahren ein. In Kooperation mit der Galerie St. Gertrude zeigen wir sechs seiner wunderbaren Künstlerbücher: Ein Tagebuch aus dem Jahr 1982, signiert und mit Widmung, die Bände Bats und Dogs mit seinen zweihändigen Schnellzeichnungen und Die die Die DIE gesamte verdammte Scheisse in zwei Ausführungen inklusive handschriftlichen Anmerkungen und Korrekturen.

Auch Horst Janssen (1929-1995) hat sein Leben lang Bücher gemacht, nicht so Objekt haft wie Roth, aber nicht weniger radikal, was die technische Experimentierfreudigkeit zum Beispiel im Bereich Radierung anbelangt. Auch die Verbindung von Schrift und Bild ist in seinem Werk präsent. Janssen, der Zeichner und Grafiker, hatte darüber hinaus eine Handschrift wie Kunst. Wir zeigen u.a. Das Pfänderspiel (Ein tagespolitischer Seitensprung) auf Deutsch, Russisch, Amerikanisch in einer Vorzugsausgabe mit eingeklebter Radierung, Keimende Kartoffel und November aus dem 1983.

Die Verbindung der ersten mit der zweiten Generation Künstlerbüchermacher in dieser Ausstellung ist zunächst eine ganz direkte: Till Verclas hat in seiner Druckwerkstatt für Dieter Roth gedruckt. Und sowohl Verclas als auch Clemens-Tobias Lange haben die gesammelten Papiere von Horst Janssens Drucker erworben, Verclas die europäischen und Lange die japanischen. Experimentell sind die beiden Zeitgenossen in ihren Arbeitsweisen mindestens so wie ihre Vorgänger: Verclas, der Bildhauer, kommt tendenziell ohne Sprache aus, betont die Haptik; Lange, der Maler, setzt seine bildlichen Schwerpunkt mit Fotografie und arbeitet textlich gern mit Literaten zusammen oder lässt sich von einem Gedicht, einem fremden Alphabet und Typologie inspirieren. "Denn die Dichter haben das Wissen der Welt."

Seit der Gründung der Presse UN ANNO UN LIBRO Till Verclas 1991 entsteht pro Jahr ein Künstlerbuch. Zum Beispiel Musterbuch, in dem durchgängig mit Drucktechniken gespielt wird.. Sehr poetisch: Schwarzer Trüffel, ein Buch voller Zettel, extra illustriert. Ein so genanntes grangerized book, das ganz der Manie englischer Bibliotheksnutzer folgt, kleine Zeichnungen und Anmerkungen in Leihbände hineinzukleben. Denn Bücher sind zum Benutzen da. So denkt auch Till Verclas.

"Durch das Äußere, das Buch, muss sich das Innere des Lesers ändern," lautet die Philosophie von Clemens-Tobias Lange, der seit 1988 in seiner CTL-Presse Künstlerbücher publiziert. Seine Bücher bestechen durch Reduktion ihrer jeweils der Aussage oder des Themas angepassten Formensprache - und durch die Papierauswahl, denn "Die Papiere suchen sich ihre Bücher selbst." Zum Beispiel Georges Adéagbo, The Story of the Lion, ein Buch zum auf-dem-Boden-Lesen, das die Arbeitsweise des Biennale-Künstlers Adéagbo nach empfindet. Ohne Wolken, ein Buch über Wolken, das ganz ohne Wolken auskommt, in dem es um Schönheit geht.

Wir zeigen in der Ausstellung Da drinnen von den Sinnen: Zwei Generationen Künstlerbücher alle Bücher auf einem großen Tisch, wo man sie in Ruhe schmökern und blättern kann. An den Wänden Grafiken von Till Verclas und Fotografien von Clemens-Tobias Lange.


Till Verclas, 1953 in Düsseldorf geboren, lernte noch vor seinem Studium der freien Malerei an der HFBK bei Kai Sudeck Kupferdruck und gründete 1979 seine eigene Kupferdruckwerkstatt in Hamburg. Parallel zum eigenen künstlerischen Schaffen hat er für Künstler wie Georg Baselitz, Albert Oehlen, Rosemarie Trockel, Cy Twombly, Günther Förg und eben auch Dieter Roth gedruckt. Verclas Künstlerbücher sind in zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen sowie Museen, darunter Staats- und Universitätsbibliothek in Hamburg, Germanische Nationalmuseum in Nürnberg, The New York Public Library. 2010 übergab er die Werkstatt an seine Mitarbeiter, um sich nur noch eigenen Projekten – Skulpturen und Künstlerbücher - widmen zu können. Letzter von ihm persönlich betreute Künstlerkunde heute ist Thomas Schütte.

Clemens-Tobias Lange ist 1960 in Berlin geboren, studierte Malerei bei Emilio Vedova und Design bei Ennio Chiggio in Venedig, hat 1988 in Hamburg seine Edition CTL-Presse gegründet und produziert seitdem Künstlerbücher, eigene und solche in Kooperation mit Literaten wie Tschingis Aitmatow oder bildenden Künstlern wie Georges Adéagbo. Zahlreiche seiner Künstlerbücher sind von den Museen und Bibliotheken der Welt angekauft worden, darunter das MoMA in New York, Paul Getty Center in Los Angeles oder die Nationalbibliothek in Paris.

Nicht zum ersten Mal begleitete der Künstler Jo Röttger im vergangenen Jahr den Künstler Georges Adéagbo mit seiner Kamera beim Legen seiner Installationen. Er tat dies zum Beispiel 2010 schon in meiner Galerie, als Georges Adéagbo hier seine Ausstellung La Culture et les Cultures – La Chine à Hambourg hatte, die damals erste Solo-Show des mehrfachen Biennale-Teilnehmers aus Benin in Hamburg. 2014 nun Orte mit kolonialen Bezügen in Hamburg, das von der Stadtkuratorin Sophie Goltz und dem Kurator Stephan Köhler initiierte Projekt Inverted Space. Jo Röttger folgte Georges Adéagbo unter anderem in den Park der Lettow-Vorbeck-Kaserne, in dem ein Monument aus Stein steht, geschützt vor Neonazis mit einem Stacheldraht drum herum. Es zeigt Afrikaner, Askaris, rekrutiert aus den deutschen Kolonien in Deutsch-Ostafrika im ersten Weltkrieg. Der Krieg ausgetragen auf schwarzen Rücken....
> mehr

Aus kleinen goldenen, immer gleichen Fünf- und Vierecken sind alle neuen Papier-Polygone von Eberhard Freudenreich gefaltet. Welche der Kanten bestimmt den Raum? Welche den Körper? Wie kommt es, dass eine gefaltete Kante noch mehr kann als eine gezeichnete Linie? Und wieso entstehen bei den immer gleichen Geometrien so gänzlich unterschiedliche amorphe Formen? Kann es sein, dass es keine objektive Form gibt, weil wir gar nicht objektiv sehen können, sondern immer sofort subjektiv "was daraus machen"? Ist Sehen Tagesform abhängig? Es ist ein fantastisches, künstlerisches Forschungsvorhaben, das Freudenreichs Gedanken und Arbeit voranschreiten lässt, Jahr um Jahr. Ein Werk-Ping-Pong aus dem Grafischen entwickelt, mal sind es Holzschnitte, mal Raumobjekte aus Plastik oder Karton, mal Kartongrafiken zum Verschieben in Glaskästen oder jetzt Objekte aus gefaltetem Papier. Und die neuen Körper aus dem goldenen Karton unterscheiden sich erstaunlich sehr von den Fröschen, Schnecken und anderen Naturphänomenen, die der Künstler im vergangenem Jahr aus naturweißem Papier, dem klassischen Origami ähnlich, gefaltet hat. Nach 2009 endlich wieder eine Einzelschau mit neuen Arbeiten von Eberhard Freudenreich aus Stuttgart. Zusätzlich zu den Faltungen zeigen wir großformatige Kantenzeichnungen, die ebenfalls extra für die Ausstellung entstanden sind.

Eberhard Freudenreich: 1963 in Bad Urach /Württemberg geboren und studierte Freie Graphik an der Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart bei Prof. Dieter Groß, Prof. Rudolf Schoofs und Herbert Egl. Seit 1993 arbeitet Freudenreich als freischaffender Künstler und hat seitdem vor allem im süddeutschen Raum zahlreiche Preise und Stipendien – unter anderem von der Kunststiftung des Landes Baden-Württemberg oder den renommierten Grafikpreis der Stadt Bietigheim-Bissingen erhalten.

Color is the quickest way to the heart

Farbe ist der schnellste, der unmittelbarste Weg zum Herzen, wird Jerry Zeniuk, der Lehrer von Carolin Leyck, viel zitiert. Dennoch ist es mit dem Farbgefühl allein nicht getan: der Betrachter muss sich schon auf das Sehen der non-figurativen Bilder, der komplexen Farbpersönlichkeiten von Leyck einlassen, ein bisschen Zeit und Neugier mitbringen. Sonst verpasst er das Beste. Sonst entgeht ihm der Weg ins Offene, den die Malerin bei jeder neuen Leinwand immer wieder eingeht. Es entgeht ihm das Wechselspiel zwischen spontanen Aktionen und überlegten Reaktionen. Gemaltes Gefühl und Denken. Carolin Leyck formuliert es so: "Schicht für Schicht inspirieren mich oft die Zufälle dazu, meine eigenen Grenzen in Frage zu stellen und diese zu überschreiten. So wird, Schritt für Schritt, aus einem unbeschriebenen Blatt eine Persönlichkeit. Mein Anspruch an diese Person ist hoch. Sie muss einfach und komplex zugleich sein. Sie muss das Auge anregen und die Lust, es immer wieder zu betrachten, hervorrufen. Sie soll in eine Welt entführen, die fasziniert und inspiriert." Naturgemäß spielt die Intensität der Farbe dabei eine sehr wichtige Rolle, das der Künstlerin ureigene Gefühl für ihre Farben. Carolin Leyck orientiert sich bewusst nicht am Farbkreis, sondern verlässt sich auf ihre Erfahrung. Darüber hinaus hat sie im Laufe der Jahre eine unverkennbare Formensprache entwickelt. Mit breiten Pinselstrichen entstehen Linien und Flächen, mal luftig und leicht, mal strukturhaft oder fest deckend. Seit einigen Jahren ist als Kontrast zu den organischen, runden Flächen, strenge, abgeklebte Geometrie hinzugekommen, die auch inhaltlich eine neue Stimmung von Distanz und Klarheit den üppigen Räumen der Bilder hinzufügt. Sie sind gegenstandslos und erinnern doch an Natur oder Architektur. Jedes Bild eine eigene, abgeschlossene Welt.

Carolin Leyck
1967 in München geboren, war von 1997 bis 2004 bei Prof. Jerry Zeniuk Meisterschülerin an der Akademie der bildenden Künste in München. Unter den diversen Preisen und Stipendien waren ein DAAD-Stipendium für China und der Debütantenpreis des BBK München. Leycks Bilder sind in der Staatsgemäldesammlung München sowie in den Sammlungen von BMW und der Deutschen Bundesbank vertreten. 2005 bereits begann die Zusammenarbeit mit der galerie holzhauer hamburg.

"Wenn es die Hörer mitreißt, ist es Unterhaltung, wenn nicht, ist es Kunst."
Louis Armstrong

Mit "Hot Five" starten wir endlich ins Ausstellungsjahr. Thema der Gruppenausstellung ist die Linie, überwiegend die vertikale Linie, also die, die im rechten Winkel von der Erdoberfläche weg weist oder genauso lotgerecht auf den Erdmittelpunkt zu saust. Vom Scheitel zur Sohle. Vom Himmel zur Erde. Aber auch diagonal durch die Wolken. Peng! In der Reduktion des kuratorischen Konzeptes werden die Möglichkeiten groß. Die Zusammenstellung der sehr unterschiedlich arbeitenden Künstler Friedemann Grieshaber, Mathias Kadolph, Swen Kählert, Clemens-Tobias Lange und Jupp Linssen funktioniert nicht nur im Bereich der analytischen Malerei und abstrakten Kunst, sondern auch musikalisch - wie eine Jazz-Session. Da ist plötzlich eine Kombo, die mit durchweg ganz neu entstandenen Arbeiten so nicht wieder zu sehen sein wird. Daher der Titel "Hot Five" - nach der legendären Studio-Band von Louis Armstrong, die den Solisten bei den Aufnahmen erstmalig mehr Raum für Improvisation einräumte. Jazz wurde Kunst. Lassen Sie sich also ein auf die Klänge der vertikalen Malerei von Swen Kählert und Jupp LInssen, der Holzskulpturen von Mathias Kadolph, der Zeichnung von Friedemann Grieshaber und der Photographie/Malerei von Clemens-Tobias Lange.

2011

"Anja Billing malt Bilder, auf den etwas zu sehen ist oder etwas geschieht. ... Aber das Besondere ist, dass sie Zeit- und Kunstsituation zu ihrem eigenen Thema gemacht hat: die Erinnerung, ihr zyklisches Verschwinden und Erscheinen, die Nähe und die Ferne von Zeit und Leben. Sie malt Bilder aus der Distanz, Bilder in Bildern, Bilder von Bildern, die wir unauslöschlich in uns bewahren, höchst subtile Archaismen, Häuser, Hütten, Höhlen, in sich versunkene Figuren, Feuer, Tänze, Prozessionen, Landschaften, Gewächse, Meere und Himmel. Sie überbrücken die Zeit, kommen weither und sind ganz gegenwärtig...."
Aus dem Katalogtext: Anja Billing: "m.y.a." von Matthias Flügge

Friedemnn Grieshaber
"Friedemann Grieshabers plastische Ideen wurzeln in ägyptischer Skulptur ebenso wie in den Erfahrungen der konstruktiven Moderne. Seine Wiedergewinnung tektonischer Grundlagen des Plastischen und das Vergewissern ihrer Herkunft aus der Architektur geschehen in genauer Kenntnis kunstgeschichtlicher Entwicklungen...Grieshabers Orte sind "Orte der Langsamkeit", wie er sie nennt. An ihnen werden die Energien sichtbar und fühlbar, die sich im Wechselspiel von physischen und mentalen Räumen entfalten. Archetypen des Kultischen scheinen darin immer wieder auf. Man kann das als eine zeitgenössische Vergewisserung unserer Kultur und Herkunft verstehen, früher hat der Künstler weite Reisen unternommen, um deren Ausgangsorte zu studieren... Dabei weiß Friedemann Grieshaber die Intelligenz des Konzeptuellen mit elementar sinnlicher Erfahrung in Einklang zu bringen. Seine Themen sind die Verschwisterungen von Figur und Architektur, die Behausung der einen in der anderen, der Raum als Gegebenes und Gestaltetes, manchmal auch die Landschaft und darin das Haus oder die Stadt. Seine Landschaften – die gebauten wie die gezeichneten – nennt er "Kulturlandschaften" und verweist damit auf die Tatsache, dass das, was wir Natur nennen, nichts objektiv Vorhandenes ist, sondern vor allem ein Konstrukt unserer kulturell bestimmten Wahrnehmung...."

Aus dem Text: Materie und Substanz von Matthias Flügge

Anja Billing ist 1967 in Berlin geboren und hat Malerei an der Kunsthochschule in Berlin-Weißensee studiert. 1996/97 Diplom und Meisterschülerin, 1998 Stipendiatin der Käthe-Dorsch-Stiftung, 2005 Stipendiatin der Akademie der Künste, Berlin für Villa Serpentara , Romano Olevano, Italien. 2006 folgte dann eine Gastprofessur an der Hamburger Sommerakademie Pentiment in den darauf folgenden Jahren Lehraufträge an der Hamburger Hochschule für angewandte Künste.
 
Friedemann Grieshaber ist 1968 in Ravensburg geboren, lebt und arbeitet in Berlin und im Allgäu. Nach der Ausbildung zum Steinmetz hat er in Stuttgart, an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee und an der Hochschule der Künste Berlin bei Professor Lothar Fischer studiert. Auch er hat seit 2006 diverse Lehraufträge: Dresdner Sommerakademie, Lehrauftrag für Bildhauerei an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee. Grieshabers Arbeiten sind vor allem im süddeutschen Raum in allen wichtigen Skulpturensammlungen vertreten. Aber auch im Museum der bildenden Künste in Leipzig.

Zeit. Bild. Klang - Waschsalon Berlin ist eine poetisch starke, abwechslungsreich und zugleich harmonisch kuratierte Gruppenausstellung fünf junger Künstlerfreunde aus Berlin. Gabriela LaPacheca, die die galerie holzhauer hamburg bereits seit 2007 vertritt, hat ausgewählt. Alle haben an der Berliner Universität der Künste (UdK) studiert. Verbunden sind sie aber viel mehr durch einen ähnlichen am Material forschenden und zugleich theoretisch-diskursiven und philosophischen Ansatz innerhalb ihrer jeweiligen Technik, der bei der Umsetzung mit einer intensiv sinnlichen Körperwahrnehmung einher geht. Obwohl alle fünf Künstler erst am Anfang ihrer Karriere stehen, haben sie bereits die Könnerschaft, die Arbeiten im rechten Augenblick los zu lassen, auf dass sie schweben und frei und vom Betrachter unendlich zu vollenden sind. (Angela Holzhauer)


Gabriela LaPacheca, 1979 in Ayacucho, Peru, geboren, weilte erst in Neuseeland, bevor sie von 2000 bis 2002 bei Prof. Joachim Schmittau an der UdK Berlin studierte und dann zu Tony Cragg wechselte, bei dem sie 2007 Meisterschülerin wurde und den Meisterschülerpreis des Präsidenten für ihre Raum bezogenen, installativen Arbeiten aus Knete erhielt. Sie reiste dann 2009 für ein Projektstudium des Deutschen Akademischen Austauschdienstes (DAAD) nach Peru, 2010 für eine Studienreise nach Mexiko. Und in diesem Jahr zeigt die Künstlerin hier in der Ausstellung Plastiken ihrer neuen Serie "Aus meinem Pavillon der Feste" – kantige, fast organisch anmutende Holzwucherungen, die LaPacheca aus gefundenen Holzlatten formt, die den Gebrauchswert ihres Ateliermobiliars zu untersuchen scheinen. LaPacheca: "Das System des Wucherns ist in meinem künstlerischen Schöpfungsprozess ein spielerisches, ekstatisches Fest, dem der Titel der Serie gewidmet ist."

Das Holz trägt die Komposition, öffnet und lenkt die künstlerische Handschrift des Bildhauers Mathias Kadolph. Der Hamburger nimmt dabei gern rohes, wenig bearbeitetes Holz und holt seine Skulpturen direkt aus der Masse eines Eichen-, Pappel-, Ahorn, Kirsch- oder Lindenstammes heraus. Oft wird das Holz am Ende nur geölt, also fast pur belassen, manchmal weiß gefasst oder eingefärbt mit einer Lösung, die dann mit der natürlichen Gärung des Holzes eine überraschende Farbnote annimmt. Alle Skulpturen sind von einfacher, reduzierter, geometrischer Form. Die meisten sind nicht spektakulär, manche folgen nur einer andauernden Bewegung. Dennoch: "Sie sind kompakt bis zum Sperrigen, was sie bindet ist die Kraft der Materie (...)", Astrid Kramer in ihrer Eröffnungsrede 2005 und weiter: "Da die Flächen nie gerade zueinander stehen, erhalten die Skulpturen entgegen ihrer Schwere eine Dynamik und setzen exzentrische Kräfte frei." Dazu kommt, dass die meisten Arbeiten Mathias Kadolphs ein inneres Volumen umfassen, was etwas von Geborgenheit erzählt – obwohl ein eindeutiges Gefühl nie gemeint ist. Es geht um Widersprüche.

Die Malerei von Jupp Linssen ist keine erzählerische. Linssen baut seine Bilder. Diese basieren zwar auf Malerei und bearbeiten malerisch doppelte und dreifache Schichtungen – in dieser Ausstellung überwiegend mit Plexiglas, Öl, Leinwand, sonst auch gern mit Zinkblech, Karton, Öl, Leinwand. Beim Betrachten kommt es aber statt zum Sehen von etwas Abgebildetem zu einer physischen Begegnung mit dem Bild.

Eberhard Freudenreich ist 1963 in Bad Urach/Württemberg geboren und studierte Freie Graphik an der Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart bei Prof. Dieter Groß, Prof. Rudolf Schoofs und Herbert Egl. Seit 1993 arbeitet Freudenreich als freischaffender Künstler und hat seitdem vor allem im Stuttgarter Raum zahlreiche Preise und Stipendien – u.a. von der Kunststiftung des Landes Baden-Württemberg oder den Grafikpreis der Stadt Bietigheim-Bissingen.

Die Ausstellung fand im Rahmen der 4. Triennale der Photographie (www.phototriennale.de),

Die Galeristin Angela Holzhauer – Kunsthistorikerin und Kulturjournalistin, die die Redaktionsleitung von freunde – Das Magazin der Freunde der Kunsthelle – innehat und Führungen in der Sammlung Falckenberg/Deichtorhallen Hamburg macht, sieht ihre Galerie als Laboratorium.
Das Interesse gilt Künstlern, die in Material, Inhalt und Form die elementaren Fragen der Kunst nach Zeit, Raum, Bild, Klang und Gesellschaft erforschen. Sie vertritt u.a. Georges Adéagbo (Benin), Eberhard Freudenreich, Arnaldo González (Venezuela), Friedemann Grieshaber, Mathias Kadolph, Clemens-Tobias Lange, Jessica Leinen Lars Möller, Swen Kählert, Carolin Leyck, Gabriela LaPacheca (Peru), Till Verclas und Jakob Zoche.
www.holzhauerhamburg.de

Kontakt:

galerie holzhauer hamburg
Borselstr. 9 22765 Hamburg (Ottensen)
galerie@holzhauerhamburg.de
Tel. 040-18884552
mobil 0170/4117293